El complejo Madero Harbour se emplaza con protagonismo en el enclave de Puerto Madero, ese territorio en que la ciudad se refleja sobre el agua y lo natural tensiona con lo artificial. El concepto de margen, de borde, de límite en que la traza urbana producto de la cultura colisiona con la inmensidad natural del río se convierte en el punto de partida del proyecto que invita a repensar la arquitectura como una contradicción compleja y estimulante por el choque entre los opuestos.

De allí surge la propuesta: dos espacios que encarnan la dualidad entre, por un lado, el orden racionalista (minimalismo) y por otro la exaltación sensorial (maximalismo). La grilla Miesiana ofrece un marco conceptual: organiza la planta mediante ejes axiales afectando al resto de los elementos que proponen diferentes situaciones de uso.

El proyecto emerge entonces como un territorio de dualidades y conflictos. Es un minimalismo maximizado, es lo contemporáneo y lo moderno; con placas pétreas rectas disgregados y las curvas hiper texturizadas, una vegetación dinámica integrada, pero a la vez estática y enmarcada. Sus neutrales tonalidades equilibran la expresividad de sus materiales, y sus contradicciones, en definitiva, invitan a la provocación de una experiencia.

Cada decisión en este proyecto fue concebida bajo un mismo enfoque, buscamos crear un oasis botánico emplazado en pleno caos urbano. Esta línea rectora marcó un norte que determinó cada una de las definiciones proyectuales desde lo espacial arquitectónico, pasando por la elección de materiales, equipamiento, recursos gráficos, y principalmente intervenciones paisajísticas.

Inspirados en los antiguos “green houses” de la Inglaterra del fines del siglo XIX, estas grandes construcciones de acero y cristal prefabricadas que en plena revolución industrial albergaban tanto la exuberancia de la vegetación salvaje de los nuevos continentes y a su vez las reuniones de la realeza, en AIRE LIBRE buscamos reflejar desde el lenguaje arquitectónico contemporáneo esta misma dualidad: la rusticidad de un vivero junto a la sofisticación de la alta coctelería. Los antiguos cristales son ahora placas moduladas de policarbonato traslúcido que conforman fachadas tanto interiores como exteriores, y las viejas estructuras de acero se reemplazan por bastidores metálicos que modulan dichas fachadas.

En el mismo sentido la propuesta gastronómica aporta desde su enfoque también ecléctico, clásico pero moderno, hecho posible combinando una cocina de fuegos a leña mediante un gran horno de barro construido artesanalmente, acompañada de una cocina de alta tecnología y complejidad técnica, siendo ambas complementarias y a la vista.

El proyecto se desarrolla en dos plantas sumando más de 900m2 entre interiores y exteriores. A partir de un foyer de acceso que hace de recepción los espacios se articulan integrando áreas abiertas y cerradas, cubiertas y descubiertas, todas siempre abordadas bajo el mismo tratamiento conceptual, desde lo material, la iluminación y las estrategias de biofilia, generando como resultado la indefinición entre el adentro y el afuera.

La paleta tanto cromática como material fue siempre regida a partir de la decisión de naturaleza y la nobleza de sus materiales, tanto en interiores como en exteriores. Texturas de hormigones pulidos y martelinados, aberturas en madera maciza, sumado a revestimientos pétreos, costras de granito en frentes de barra, espejos envejecidos y la utilización de tablones de madera recuperada, acompañados por la abundancia botánica en cada rincón del local logran a la perfección el ambiente buscado.

Este proyecto no podría sostenerse sin tener resuelto desde un principio el alto grado de mantenimiento que requiere una intervención con semejante presencia de vegetación. Para ello se diseñó una compleja red de riego automatizado mediante un circuito cerrado de circulación de agua fertilizada que trabaja en conjunto con equipos de iluminación que, a contraturno del uso del local, se activan para garantizar riego y fotosíntesis en la totalidad de las plantas tanto  interiores como exteriores. Para completar este sistema, se instaló en todos los espacios exteriores una red de foggers que en días especialmente calurosos proyectan al aire gotas de agua pulverizada garantizando el fresco y confort a los usuarios.

La serenidad en los espacios y materiales, en contraposición a la complejidad técnica del proyecto supo lograr como resultados espacios de encuentro y de disfrute para brindar al AIRE LIBRE.

A diferencia de la generalidad de los proyectos gastronómicos, en los que a priori se tiene bien definido el tipo de usuario…el target, ya sea por rango etario, por tipo de propuesta gastronómica, por ubicación y horario de apertura, o incluso por el valor del cubierto, en este proyecto ninguna de esas variables era fija. Este es un espacio al que se le da uso antes del comienzo de los shows del Arena, y va a ser usado cada noche por un grupo de personas muy diversa (según el show de turno y la propuesta musical) con el fin vivir una experiencia gastronómica premium en la previa al espectáculo.

Hay una única variable en común a cada uno de estos usuarios: la pasión por la música. De ahí surge la premisa más importante del proyecto: el intento de “congelar música”, de convertir esa emoción abstracta, etérea y efímera, en una envolvente geometrizable y construible.

A partir de esta idea trabajamos estudiando las geometrías de las ondas sonoras, intentando encontrar patrones que nos permitan lograr una envolvente interior que otorgue identidad al espacio aludiendo al movimiento musical, por un lado, suelto y orgánico, pero por otro muy metódico y matemático. Enseguida entendimos que el proyecto debía ser resuelto integrando únicamente dos elementos: chapa y luz. El proyecto queda resuelto mediante esta pieza única y continua, conformada por costillas y escamas metálicas que en su conjunto dibujan ondulaciones dinámicas generando una envolvente tanto vertical como horizontal que recorre los 640m2 del espacio, resolviendo las diferentes situaciones de uso. El desarrollo de este elemento resultó de una alta complejidad técnica, para lograr la imagen de liviandad y fluidez pretendidas. El efecto de la luz que se filtra entre los vacíos logra un movimiento y una riqueza de sombras y reflejos que otorga con precisión la variedad del efecto buscado. La complejidad de este elemento convive en el proyecto con una gran barra principal que, en contraposición al dinamismo de la envolvente, en este caso es una pieza única, monolítica, inmóvil y contundente que resuelve desde lo funcional la propuesta gastronómica. Ambos elementos dialogan y conviven a partir de la calidez de su iluminación.

El proyecto parte de la idea de generar un espacio que, dadas las características del cliente, busca recrear situaciones diversas relacionadas a la experiencia hotelera y gastronómica.

Se trata de un espacio de desarrollo gastronómico privado para FEHGRA (Federación Empresaria Hotelera y Gastronómica de la República Argentina). La complejidad de resolver una gran diversidad de necesidades programáticas en tan solo 130m2 fue abordada mediante la estrategia de generar un recorrido ordenador cuyas decisiones de diseño y materialidad resuelven las diferentes situaciones de uso logrando una experiencia única e integradora.

Dicho recorrido propone atravesar distintas estaciones que incluyen una isla de barismo y cafetería, otra de coctelería, un sector de biblioteca especializada, un área de exhibición de productos (vajilla, accesorios, etc), una sala de cavas preparada para catas y degustaciones, y por último un auditorio que remata en una isla de show cooking equipada con tecnología de vanguardia en lo que refiere a equipos gastronómicos.

Cada una de estas estaciones está diseñada como una secuencia de bloques de granito que mediante su disposición y tamaño van recreando el paso de una isla a otra generando un paseo orgánico y monomaterial. Un cielorraso abovedado inspirado en las texturas y materialidad de las barricas de macerados y destilados unifica los espacios aportando al sentido de recorrido. Del mismo modo, la utilización de revestimiento entablillado de madera tratada

mediante la técnica de Shou Sugi Ban aparece en todo el recorrido del proyecto remitiendo con delicadeza y elegancia al quemado de madera en el fuego y la cocina. La iluminación general fue resuelta tanto con iluminación puntual como indirecta, pero sumando el diseño de unas piezas diseñadas para la ocasión y construidas artesanalmente que generan reflejos y destellos haciendo alusión al sentido onírico y festivo del mundo de los espumantes.

El proyecto está inspirado en el universo onírico, de texturas y materiales provenientes del mundo mediterráneo. El elemento más característico son las ondas y olas del mar que implementamos a través dos elementos constructivos en planta baja y alta. Ambos dan una función específica, uno de ellos como back de barra en planta baja, y el otro como una larga bancada zigzagueante que organiza el área central de la planta alta.

Los tonos blancos son los más predominantes en todo el espacio, sugerido por las construcciones tan características de aquellas latitudes.  La utilización del mosaiquismo en tonos azules y turquesas es claramente un recurso constructivo que representa una época y un arte propio del mediterráneo.

La utilización de listones de madera pintados de blanco como revestimiento en la gran mayoría del local, genera una textura rítmica la cual sugiere una relación con la estrategia utilizada en las áreas desarrolladas con las ondas.

El suelo de terrazo en tonos naturales y ocres en todo el local le otorga al espacio una sensibilidad de sutiles y minúsculas piedras que se integran al “mood mediterráneo”.

Por último, la vegetación que surge de la larga bancada predomina en sus tonos como si se tratara de la integración de la naturaleza real fusionada con la metáfora alegórica del mar.

Desde el organizativo, tanto planta baja como la alta esta divido en dos áreas, la de producción y la del servicio. Ambas divididas por mamparas de vidrio repartido como típica alegoría a las antiguas vidrieras fabriles. El restaurante cuentas con grandes áreas de uso privado, como las cocinas, sala de producción, sala de cámaras y oficinas, lo que representa un 40% del área total de ambos niveles, lo cual garantiza una funcional producción para las necesidades del restaurante.

El proyecto esta desarrollado en una casa antigua del barrio de Palermo. Se realizo una completa reorganización del espacio generando dos accesos a dos espacios de diferentes usos que se complementan según el horario del funcionamiento del restaurante.

Teniendo en cuenta la historia de las antiguas casas de Buenos Aires, los patios siempre han sido un espacio de congregación. Por lo que la primer gran estrategia de diseño fue crear un patio de acceso inmediatamente después de la fachada somo símbolo y golpe de efecto. Esto permitió contar con una nueva fachada de lenguaje propio, y como consecuencia preservar el estilo antiguo de la fachada principal. Desde el punto de vista del funcionamiento, el patio es fundamental para al modelo take away y además explora exterior un uso post covid.

El lenguaje propuesto fue resultado de un análisis profundo sobre los elementos que definen a la propuesta gastronómica, propuesta que se jacta de un tipo de pastelería americana. De ahí la referencia a la antigua forma de «enfriar el pastel junto a la ventana» y su corolaria propuesta de utilizar múltiples ventanas en la fachada del patio de entrada.

Otro elemento determinante ha sido la representación abstracta de las tortas construido por cilindros de cartón, como sistema de “pieles” que revisten determinadas áreas como los arcos de entrada y el back de barra, sitio que atrae todas las miradas en el proceso de compra.

Estos «pasteles o tartas» también incluyen dos símbolos tradicionales de la pastelería, el colador y los batidores, ambos elementos los condensamos en una única pieza como símbolo.

El lenguaje de la arquitectura interior es una composición vernácula del típico estilo industrial derruido. De esta palabra “derruido” partió la idea de utilizar elementos que simulen un ámbito “under construction”, es decir, maderas de andamios, hierros de obra, tejidos metálicos. Todos materiales neutros que componen un universo de tamices constructivos y de fondo una casa derruida donde la vegetación seca toma posesión de una casa antigua que pareciera estar en un estado de abandono.

La iluminación se ha convertido en un elemento distintivo construido con soportes de estructura de madera y rodeado de vegetación seca, como un acto poético de cómo la vegetación puede tomar una estructura de andamiaje de madera abandonada.

En el primer piso, atravesando las simbólicas ventanas de madera y una gran vegetación que trepara por las mismas, encontramos un salón privado donde la alta coctelería toma presencia. Emulamos a través del simbólico árbol Lagerstroemia en el centro del patio y el uso de madera en torno al patio la idea de la casa en el arbol. De ahí su nombre Moshu treehouse.

El local comercial se encuentra ubicado en Buenos Aires. Su dimensión de solo 70 m2 fue determinante para la elección de su estrategia compositiva, dado que en tan poca superficie el impacto debía ser inmediato. Por tal motivo, las tonalidades debían lograr un efecto inmersivo inmediato.

Teniendo en cuenta que el producto es hamburguesas la estrategia proyectual radica en la mono-intervención (plegados) del mono-material (chapa), enriqueciendo la sobriedad mediante cambios de ritmo, aplicación de pátinas texturadas y diseño de iluminación, que en su totalidad remiten al hierro caliente de las planchas de cocción.

La poca intervención de comunicación grafica en el espacio y los tonos de neon rojo también remiten a la idea rectora.

El proyecto es resultado de una investigación que hemos realizado durante el desarrollo de la imagen para el proyecto de café Artois, donde elaboramos un lenguaje que representa a la marca Stella Artois para todos sus locales, empresa que nos convocó.

Existen en la propuesta elementos que remiten a los viejos cafés típicos europeos de principios del siglo XX, muy emparentados a los Parisinos.

Los arcos ha sido un recurso que re elaboramos respetando su impronta de elegancia, pero implementados como envoltorio componiendo un volumen de rápida lectura desde el lejos.

El envoltorio cuenta con una sucesión de circunferencias repetidas y superpuestas generando un límite denso pero permeable, pero ademas optando por vacíos donde se requiere la libre comunicación con el servicio.

La góndola cuenta con dos fachadas bien diferenciadas dada su enclave asimétrico. La cara opuesta se incorpora a la edificación antigua del galpón del mercado, mientras que la fachada de la góndola está exenta de muros y techo. Ambas caras están comunicadas desde los servicios de la barra.

El proyecto tiene una impronta monocromática pero de composición heterogénea en sus materiales, como los ladrillos refractarios, hierro y mármoles, todos parte de la familia tectónica.

El espejo antiguo y las luminarias en formato de araña con sus esferas forma parte del imaginario Parisino de los cafés de los años XX.

Osten, un bar de alta coctelería y restaurante ubicado en el distinguido barrio de Puerto Madero, en Buenos Aires.

La idea generatriz parte del momento exacto del crack económico del año 29. Inspirado en la novela el crack up de Scott Fitzgerald, y la decadencia del glamour el Gran Gatsby.

A primera vista hay un gran pasillo construido con andamios y el nombre Osten en un cartel colgado en un metal perforado situado en la entrada principal que funciona como sala de espera, como resultado de un efecto de provocación para descubrir el espacio paso a paso.

El corredor cuenta con 6 diferentes accesos al espacio general. Esto se debe fundamentalmente a que puede independizarse estos espacios para dividir las áreas como espacios privados.

El acceso al bar se encuentra al final del corredor, coronador por un metal perforado con el diseño de identidad del bar. Este corredor divide la totalidad del espacio en dos grandes áreas de uso y contra el fondo una gran barra

Al área exterior puede accederse desde la vereda o desde un acceso especial desde el interior.

La presencia de los andamios como soporte de una era que ya no lograba sostenerse por sí misma. La característica esencial de los dispositivos de andamios es en definitiva la temporalidad de su uso, y es esta palabra “temporalidad”, lo que define el fin de aquella era de elegancia y el derroche de dinero.

Estos andamios soportan grandes arcos de chapa pintados de color dorado, pero sin el brillo ni la grandilocuencia, más bien envejecido.

Estos arcos alojan todas las áreas más representativas del bar, como son: el acceso a través de un gran corredor, la gran barra & su back, la escalera y el sitting perimetral. Los nudos que sujetan cada encuentro de los andamios avejentados con pintura de bronce viejo.

La modernidad está representada esencialmente por la piel interior construida con placas cementicias y mármol organizadas en piezas en diferentes áreas. Estas placas de mármol están dispuestas en entre las estructuras de los andamios, buscando una relación entre lo elegante y lo provisorio. Todas las placas de mármol de carrara y verde oscuro, organizadas linealmente y sujetadas de forma etérea.

La modernidad hace su aparición también, a través de los tubos acrílicos que forman parte del sistema de iluminación donde se conjugan los dos mundos, el moderno y su envoltorio acrílico con dibujos de art deco. De la misma forma las grandes luminarias que simulan arañas, colgando con tubos acrílicos y cadenas representando los caireles.

La identidad grafica desarrollada desde la tipografía del naming, fue aplicada en diferentes áreas, en forma de stencil en muros y a través de calados en chapas para lograr dispositivos que funcionan como divisorios. Como resultado del desarrollo tipográfico, se han desarrollado piezas graficas de perfiles femeninos y aplicados en forma de cuadros artísticos sujetados por el sistema de andamios.

El área exterior cuenta con un sistema de andamios para la sujeción del sitting y un gran mural diseñado por el equipo de branding a través del desarrollo de la familia tipográfica.

La tonalidad del bronce viejo, verde oscuro, claro y azul fueron resultado de una composición sobria y elegante.

El espacio refleja a través de una poética de la temporalidad de los andamios el punto de quiebre en la evolución del art deco al nuevo orden estético, el modero.